nackt leben

Photographie

Roshan Adhihetty (CH) : Photographie (DE)

Le photographe suisse Roshan Adhihetty (* 1990 à Lausanne) a accompagné plusieurs randonnues en 2014, entre autres en Allemagne, et s'est fait connaître bien au-delà des frontières de son pays d'origine avec ses photos d'examen sur ce sujet. Il a également reçu le « Prix Photoforum PasquArt » à Bienne pour sa série de photos de randonneurs nus. En 2015, son livre illustré « Nacktwanderer » [fr : « Randonneurs nus » ] a été publié avec une sélection étendue de photos.

Nacktwanderer

En 2018, il a reçu le célèbre « Swiss Photo Award » pour sa série « Konstruktion der Wirklichkeit » [fr : « Construction de la réalité » ], pour laquelle il avait déjà été nominé en 2017. En plus de ses activités professionnelles de photographe à Zurich, il participe à de nombreux projets tels que « Animal Frame » en 2019, une exposition sur les pratiques de l'industrie de la transformation de la viande à la « Haus der Ameisen » [fr : « Maison des fourmis »] à Saint-Gall (Suisse). Il est membre de la célèbre association suisse de photographes « 13Photo » et travaille comme professeur à l'école de design de Saint-Gall.

  • Website Roshan Adhihetty :
    « adhihetty » (adhihetty.ch)

Julia Gaes (D) : Photographie (DE, EN)

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2018 Julia GaesJulia Gaes (* 1993 à Wittingen, Allemagne) a étudié la photographie à Bielefeld et a accompagné durant cette période de nombreuses activités naturistes en Allemagne. Avec ses photographies, elle a non seulement obtenu le « Bachelor of Arts » , 2015 Une des 11 photographies de 2014 distingueésmais a également été représentée avec succès dans de nombreuses expositions en Allemagne et à l'étranger et a publié un livre « Die Naturisten » [fr : « Les naturistes » ].

L'engagement de Julia est certainement plus large : dès 2015, lors d'un voyage d'étude en Russie, elle a abordé la situation des personnes d'origine LGBT vivant là-bas. Depuis 2018, elle poursuit ses études à l'Université des sciences appliquées de Hambourg et participe, entre autres, au projet « Album Raphaël » à la Kunsthalle de Hambourg.

 

2018 Dans l'exposition
Dans l'exposition

Miru Kim (KR/USA) : Photographie (EN)

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Nous avons découvert Miru Kim et son travail lors du festival « Body and Freedom » que l'artiste de performance, organisateur et réalisateur Thomas Zollinger a créé et dirigé en 2015 à Bienne, en Suisse. Le soir du premier jour, Miru Kim a fait une présentation très instructive et détaillée de son travail. Elle nous a donné une longue lecture avec une vaste sélection de ses photos provenant de visites secrètes dans des zones souterraines désertes de New York, en haut des flèches des constructions de ponts et dans des porcheries à la campagne aux États-Unis pour documenter les conditions de vie des porcs dans les fermes de production de masse de viande, des mois de séjour en Mongolie et en Jordanie dans les conditions de vie les plus simples. Vous pouvez vous faire une petite idée de sa présentation, que nous avons suivie avec beaucoup d'intérêt, en la regardant après la présentation de TED-Talk en 2007 :

[0:14:26] Miru Kim @ TED Talks 2007: My underground art explorations
[0:14:26] Miru Kim @ TED Talks 2007:
My underground art explorations
Vidéo sur YouTube (après inscription)

Des vidéos accessibles au public documentent des exemples des thèmes de Miru, des photos créées et de ses méthodes de travail :

[0:03:17] Naked City Spleen
[0:03:17] Naked City Spleen

[[0:10:52] Under The Skin
[0:10:52] Under The Skin

[0:07:11] Close up: Photographers at Work, Miru Kim segment
[0:07:11] Close up: Photographers at Work, Miru Kim segment

[0:14:00] Making of The Camel's Way
[0:14:00] Making of The Camel's Way

[0:04:11] MIRU KIM..a Big Young Photographer
[0:04:11] MIRU KIM..a Big Young Photographer
Vidéo sur YouTube (après inscription)

  • Website Miru Kim :
    « Miru Kim » (mirukim.com)

Musique, Video

Amanda Palmer (USA) : Performance, musique, art vidéo (EN)

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Amanda Palmer est une artiste née aux États-Unis. Elle décrit son expérience de vie dans le livre « The art of asking » [fr : « L'art de demander » ].

S’il y a une chose spécifique qui est importante concernant le site « natury » , c’est la confiance ! Amanda Palmer illustre ça avec une photo montrée lors d'une lecture et prise lors d'un de ses concerts : elle se tient nue parmi ses fans, distribue des marqueurs et des stylos – pas pour écrire et peindre sur des tableaux blancs, mais sur son corps. Elle dit à ses fans : « I trust you. Can I? Show me! » [fr : « Je vous fais confiance. Puis-je ? Prouvez-le-moi ! » ]

Vous pouvez vous faire une idée de leurs expériences et de leurs idées en regardant la vidéo suivante de leur présentation dans la série « TED Talks » :

[0:13:48] The art of asking
[0:13:48] The art of asking
Vidéo sur YouTube (après inscription)

Les vidéos suivantes donnent une impression de son travail. « Want it Back » fait référence au corps nu et impressionne par une combinaison complexe de musique, de vidéo, d'animation …

… « DROWNING IN THE SOUND » – produit indépendamment avec l'argent fourni par les fans – montre la maîtrise dans la combinaison de plusieurs disciplines artistiques qu’une équipe de personnes créatives peut atteindre. Deux autres œuvres – « The Bed Song » et son commentaire satirique sur BREXIT, « THE FRENCH BREXIT SONG » – illustrent l'étendue des intérêts artistiques dans l'œuvre d'Amanda Palmer.

[0:05:58] DROWNING IN THE SOUND
[0:05:58] DROWNING IN THE SOUND
Vidéo sur YouTube (après inscription)
[0:03:20] THE FRENCH BREXIT SONG
[0:03:20] THE FRENCH BREXIT SONG
Vidéo sur YouTube (après inscription)
  • Website Amanda Palmer :
    « Amanda Palmer » (amandapalmer.net)

Sigur Rós (IS) : Art vidéo (IS, EN)

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« Sigur Rós est un groupe de rock islandais qui a été fondé en 1994 à Reykjavík et qui est l'un des plus célèbres représentants du post-rock.
Le groupe Sigur Rós a été fondé en 1994 par Jón Þór Birgisson (Jónsi), Georg Hólm (Goggi) et Ágúst Ævar Gunnarsson. Le jour de la fondation du groupe, la sœur de Jonsí est née, elle porte le nom de Sigurrós et ainsi elle donna son nom au groupe. »
 – Source : « Sigur Rós » (de.wikipedia.org), 2020, traduit, mise en page modifiée par l'auteur

Certaines œuvres de Sigur Rós font référence à la nudité naturelle : La couverture de l'album « Með suð i eyrum við spilum endalaust » de 2008 montre des coureurs nus de course à obstacles traversant une glissière de sécurité et une route de campagne. Au-dessus d'eux se trouve « Gobbledigook ». Il y a aussi un vidéoclip :

[0:03:12] Gobbledigook
[0:03:12] Gobbledigook

« La vidéo de ‹ Gobbledigook › est sortie le 27 mai 2008 sur sigurros.com. Elle a été filmée en mai 2008 par Arni & Kinski, qui a déjà réalisé les vidéos ‹ Glósóli › , ‹ Viðrar vel til loftárása › et ‹ Hoppípolla › du groupe, et a collaboré avec Ryan McGinley, dont le travail récent a servi de pochette pour ‹ Með suð í eyrum við spilum endalaust › et les singles qui en découlent. Le directeur de la photographie Christopher Doyle a tourné la vidéo.
La vidéo montre un groupe d'une dizaine de jeunes adultes participant au nudisme ou au naturisme. »
 – Source : « Gobbledigook (song) » (en.wikipedia.org), 2020, traduit, mise en page modifiée par l'auteur

  • Website Sigur Rós :
    « Sigur Rós » (sigurros.com)

John Sanborn (USA) : Art vidéo (EN)

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Nous avons eu connaissance de John Sanborn lors d'une recherche sur Internet. Sanborn combine une maîtrise parfaite du médium vidéo et de ses possibilités artistiques telles que la chorégraphie et la performance. L'un de ses modèles est le coréen Nam-June Paik, dont le nom est lié à la reconnaissance de la vidéo comme une autre forme d'art. La référence à l'indéterminisme dans le travail de composition de John Cage ajoute une composante compositionnelle complexe.

Trois exemples montrent les possibilités techniques du média :
[0:10:00] alley walk loop fcp
[0:10:00] alley walk loop fcp
Vidéo sur YouTube (après inscription)
[0:00:56] PICO Face Frames Freeze
[0:00:56] PICO Face Frames Freeze
Vidéo sur YouTube (après inscription)
[0:02:26] Remix Boogie-Woogie
[0:02:26] Remix Boogie-Woogie
Vidéo sur YouTube (après inscription)
 
Une bande-annonce et un extrait « Charlotte's Groove » donnent une idée de la virtuosité complexe de la performance en direct au musée de Berkeley, CA, USA, et de la vidéo en direct :
[0:02:46] PICO reMIX trailer
[0:02:46] PICO reMIX trailer
Vidéo sur YouTube (après inscription)
[0:04:11] Charlotte's Groove (from PICO)
[0:04:11] Charlotte's Groove (from PICO)
Vidéo sur YouTube (après inscription)
 
Le spectacle a été rendu possible par plus de 60 personnes – en partie vêtues, en partie nues –, dont certains se produisaient dans toute la salle, d'autres étaient constamment en mouvement dans les salles du musée avec des caméras fixées sur leur tête, avec le public, pour filmer les événements en direct. Les flux vidéo ont été traités en direct sur des consoles de mixage vidéo et compilés dans une nouvelle œuvre. Au-dessus du niveau de la performance en direct se trouve une autre de la vidéo en direct. Là, non seulement le contenu enregistré est constamment en mouvement, mais la vidéo change aussi constamment le format de la présentation, de sorte que parfois une seule grande image, parfois plusieurs fenêtres avec un contenu différent peuvent être vues. Pendant 96 minutes les adultes comme les enfants vivent une expérience impressionnante :
[01:36:58] PICO (performanCe indeterminAte caGe opEra) Berkeley, CA, USA, 14 September 2012
[01:36:58] PICO (performanCe indeterminAte caGe opEra) Berkeley, CA, USA, 14 September 2012
Vidéo sur YouTube (après inscription)

John Sanborn

  • « John Sanborn (né en 1954) a été un membre clé de la deuxième vague d'artistes vidéo américains qui comprenait Bill Viola, Gary Hill, Dara Birnbaum et Tony Oursler. L'œuvre de Sanborn s'étend des débuts de l'art vidéo expérimental dans les années 1970 à l'art des médias numériques d'aujourd'hui, en passant par l'apogée de la musique et des vidéos MTV et de l'art interactif. […]
    À la fin des années 1970, Sanborn était l'un des artistes en résidence au ‹ TV Lab › au ‹ Thirteen/WNET › , un environnement expérimental lancé par la ‹ Fondation Rockefeller › et Nam June Paik comme lieu de rencontre pour les artistes vidéo afin de créer des œuvres pour la télévision. Il a également créé des œuvres pour la série ‹ VISA › (créée par Paik) et a présenté des installations au ‹ Whitney Museum › , participant à deux expositions biennales. […]
    John Sanborn a reçu une maîtrise honorifique en cinéma de l'ESEC à Paris, et a été nommé ‹ Chevalier des Arts et des Lettres › par le ministre de la Culture de la République Française. […] »
     – Source : « John Sanborn » (wikipedia.org), 2020, traduit, mise en page modifiée par l'auteur
  • « Un metteur en scène et réalisateur, qui est connu pour […] ‹ The Planets › (2011) et la ‹ Performance Indeterminate Cage Opera › (2013) […]. »
     – Source : « John Sanborn » (IMDb), 2020, traduit, mise en page modifiée par l'auteur
  • Theresa Wong, cello player in PICO [fr : le violoncelliste dans PICO]

Les sources d'inspiration de John Sanborn

John Sanborn est un spécialiste éduqué des effets vidéo qui est demandé en tant qu'expert pour les "effets spéciaux" dans les productions cinématographiques. Wikipedia le décrit comme un artiste vidéo dans le contexte de Bill Viola, Gary Hill, Dara Birnbaum et Tony Oursler. John Sanborn cite Nam-June Paik, qui a établi la vidéo comme une autre forme d'art, le peintre et artiste d'objets Marchel Duchamp, et le compositeur John Cage comme ses sources d'inspiration. Nous fournissons des liens vers des informations complémentaires.

John Sanborn résume ainsi son travail « PICO » :

  • « L’élément central de l'œuvre est constitué par les interprétations des voies et des significations du changement, telles qu'elles sont proposées par John Cage, le conceptuel Marcel Duchamp, et l'artiste vidéo (et mon maître personnel) Nam June Paik. »
     – Source : Déclaration de John Sanborn au début de la vidéo « PICO Live », traduit, mise en page modifiée par l'auteur
  • « Si on prend la révolution musicale de John Cage, les pensées radicales de Marcel Duchamp et l’anarchie médiale de Nam June Paik, en les mettant dans un mixeur, le résultat serait PICO. »
     – Source : Performance Indeterminate Cage Opera (2013) (IMDb), 2020, traduit, mise en page modifiée par l'auteur

Puisque John Sanborn met tant l'accent sur l'indéterminisme dans l'œuvre compositionnellement de John Cage, nous avons inclus une ample collection de liens sur le sujet.

John Cage

John Cage a été fréquemment invité à la station de radio régionale WDR à Cologne, notamment pour l'un de ses anniversaires dans les années 1980. En guise de cadeau d'anniversaire, la station de radio lui a consacré une émission ininterrompue de 24 heures, avec des cadeaux sonores d'autres artistes, des exemples de ses compositions et des interviews avec lui.

  • « John Milton Cage (5 septembre 1912 - 12 août 1992) était un compositeur et écrivain de musique expérimentale, probablement plus connu (certains pourraient dire notoire) pour sa pièce ‹ 4′ 33″ ›, souvent décrite (quelque peu à tort) comme ‹ quatre minutes et demie de silence ›. Il a été l'un des premiers auteurs de musique aléatoire (musique dont certains éléments sont laissés au hasard), a utilisé des instruments de manière non standard et a été un pionnier de la musique électronique. […] »
     – Source : « John Cage Biography » (biographybase.com), 2020, traduit, mise en page modifiée par l'auteur
  • « John Milton Cage Jr (5 septembre 1912 – 12 août 1992) était un compositeur, théoricien de la musique, artiste et philosophe américain. Pionnier de l'indétermination en musique, de la musique électroacoustique et de l'utilisation non standard des instruments de musique, Cage a été l'une des figures de proue de l'avant-garde d'après-guerre. Les critiques l'ont salué comme l'un des compositeurs les plus influents du XXe siècle. Il a également contribué au développement de la danse moderne, principalement grâce à son association avec le chorégraphe Merce Cunningham, qui a également été le partenaire romantique de Cage pendant la plus grande partie de leur vie. […]
    Cage a également été un pionnier du piano préparé (un piano dont le son est altéré par des objets placés entre ou sur ses cordes ou ses marteaux), pour lequel il a écrit de nombreuses œuvres liées à la danse et quelques pièces de concert. La plus connue d'entre elles est Sonates et Interludes (1946-48). […]
    Parmi ses professeurs figurent Henry Cowell (1933) et Arnold Schönberg (1933-35), tous deux connus pour leurs innovations radicales en matière de musique, mais les principales influences de Cage se situent dans diverses cultures d'Asie de l'Est et du Sud. Grâce à ses études de philosophie indienne et de bouddhisme zen à la fin des années 1940, Cage a eu l'idée d'une musique aléatoire ou contrôlée par le hasard, qu'il a commencé à composer en 1951. […] »
     – Source : « John Cage » (en.wikipedia.org), 2020, mise en page modifiée par l'auteur
  • « Performance Practice in the Indeterminate Works of John Cage » (claremont.edu) [fr : Pratique de la performance dans les œuvres indéterminées de John Cage], by Judith Irene Lochhead, Claremont Colleges Library, California, USA
  • « Indeterminacy » (hunsmire.tripod.com) [fr : Indéterminisme]
  • « Understanding indeterminate music through performance : Cage’s Solo for piano » (hud.ac.uk) [fr : Comprendre la musique indéterminée par l'interprétation : Cage's Solo for piano], by Philip Thomas, University of Huddersfield, UK
  • Works – « John Cage » (rateyourmusic.com)
  • « The Complete John Cage Edition » (discogs.com) [fr : L'édition complète de John Cage]
  • « ‹ John Cage Day › [fr : la ‹ Journée John Cage ›] est le nom donné à plusieurs événements organisés en 2012, pour commémorer le 100e anniversaire de la naissance du compositeur John Cage.
    Parmi ces événements, citons la ‹ John Cage Day › au Musée d'art moderne de New York, qui se tiendra le 9 août 2012, la ‹ John Cage Day › aux ‹ The Proms › au Royal Albert Hall de Londres, le 17 août 2012, et la ‹ John Cage Day › à Elder Hall, Université d'Adélaïde, en Australie, qui coïncidera avec l'anniversaire de Cage le 5 septembre 2012. L'organisateur de ce dernier événement, le compositeur et interprète Stephen Whittington, a proposé que le 5 septembre soit célébré chaque année dans le monde entier sous le nom de ‹ John Cage Day ›. […] »
     – Source : « John Cage Day » (en.wikipedia.org), 2020, mise en page modifiée par l'auteur
  • « Music Analysis, Theory & Composition » (hunsmire.tripod.com) [fr : Analyse, théorie et composition de la musique], Tater Z the Anti-G and DJ Hunsmire's Musical Studies Index

Théâtre

Claudia Bosse / theatercombinat (D) : Théâtre (DE, EN, FR)

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En cherchant sur Internet, nous avons trouvé des informations sur Claudia Bosse et des vidéos de ses œuvres accessibles au public.

« Claudia Bosse (* 1969 à Salzgitter-Bad) est une metteuse en scène, artiste et chorégraphe allemande.
Vie :
Claudia Bosse a étudié la mise en scène à l'Académie d'art dramatique ‹ Ernst Busch › à Berlin. Suivirent des productions, installations théâtrales, et interventions dans l'espace public à Berlin, Beyrouth, Le Caire, Bruxelles, Düsseldorf, Prague, Hambourg, Krems, Jérusalem, Genève, Vienne, New York, Tunis, Podgorica (Monténégro), Graz et Jakarta. Elle a reçu des missions d'enseignement et a publié sur son travail de mise en scène et ses projets d'installation.
En 1996, elle a co-fondé le ‹ theatercombinat › et en a été directrice artistique. De 2006 à 2008, Bosse a travaillé comme metteuse en scène invitée permanente au ‹ Théâtre du Grütli › à Genève. Elle y met en scène, par exemple, ‹ Phèdre (Racine/Seneca) ›.
Depuis 2011, Bosse travailla de plus en plus dans le domaine des arts visuels, par exemple avec ‹ Explosion of Silence › [fr : ‹ Explosion du silence ›] pour la Quadriennale de Prague 2011 et ‹ der raum der raum das bild das bild das bett der baum und die entblößung der leiber › [fr‹ : ‹ l'espace la peinture l'image le lit l'arbre et la dénudation des corps ›] pour le Musée Léopold, Vienne. […] »

 – Source : « Claudia Bosse » (de.wikipedia.org), état : 2020, traduit, mise en page modifiée par l'auteur

[00:06:08] Phèdre – Racine (1677) et Sénèque (50)
[00:06:08] Phèdre – Racine (1677) et Sénèque (50), génève 2008 + vienna 2009 (Trailer)
Vidéo sur YouTube (après inscription)

Olivier Dubois (F) : Chorégraphie (DE, EN, FR)

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En cherchant sur Internet, nous avons trouvé des informations sur Olivier Dubois et une vidéo d’une bande-annonce publiquement disponible pour l'une de ses œuvres.

« Olivier Dubois, né en 1972 à Colmar, est un chorégraphe français de danse contemporaine.
Après avoir étudié les langues étrangères à l'Institut national des langues et civilisations orientales, le droit et l'économie, Dubois, à l'âge de 23 ans, décide de devenir danseur.
Olivier Dubois a joué pour Angelin Preljocaj, le Cirque du Soleil, Jan Fabre, Dominique Boivin, Sasha Waltz et bien d'autres. En 2006, il a été invité par la SACD et le ‹ Festival d'Avignon › à créer une pièce dans le cadre de sa série ‹ Les Sujets à vif ›. Son œuvre ‹ Pour tout l'or du monde › a ensuite reçu le prix du jury de l'Association des critiques professionnels. Au ‹ Festival d'Avignon › 2008, il a créé ‹ Faune(s) ›, d'après la célèbre pièce de Nijinski, et a remporté le ‹ Prix Jardin d'Europe ›, le prix européen de la chorégraphie émergente. Son exposition ‹ L'interprète dévisagé › au ‹ Centre National de la Danse › à Paris et à Lyon en 2009 a été bien accueillie.
En 2010, il présenta ‹ Spectre ›, commande des ‹ Ballets de Monte-Carlo › , et créa ‹ L'homme de l'Atlantique ›  un duo sur la musique de Frank Sinatra, pour la ‹ Biennale de la danse › de Lyon. En 2009, il entama la trilogie ‹ Étude critique pour un trompe-l'œil › avec la création de ‹ Révolution › à la ‹ Ménagerie de Verre › à Paris, suivie du solo ‹ Rouge › en 2011 et conclue par la provocante ‹ Tragédie › , créée au ‹ Festival d'Avignon › en 2012. Dans le cadre de ‹ Marseille 2013, capitale européenne de la culture › , Dubois a créé ‹ Élégie › pour le ‹ Ballet national de Marseille › . La même année, il a été nommé meilleur chorégraphe aux ‹ Danza & Danza Awards › pour ‹ Tragédie › et ‹ Élégie › . […] »
 – Source : « Olivier Dubois » (en.wikipedia.org), état : 2020, traduit, mise en page modifiée par l'auteur

« […] Sur la musique méticuleusement composée par François Caffenne, 18 danseurs passent par une chorégraphie strictement formelle et évoluent lentement vers un décalage bacchanalien. Leur nudité est à la fois abstraite et profondément humaine. ‹ TRAGÉDIE › est un théâtre pictural pathétique et un excès minimaliste, choquant, consumant et profondément touchant : ‹ Le monstre, c'est beaucoup. Mais rien de plus monstrueux que l'homme. › (Sophocle, Antigone) »
 – Source : « INTERNATIONALES SOMMERFESTIVAL 2013 – Olivier Dubois: TRAGÉDIE » (kampnagel.de), état : 2013-2020, traduit, mise en page modifiée par l'auteur

« […] Dubois avait de bonnes raisons, et il a créé une œuvre qui fascine avant tout par sa structure, ses motifs stricts.
Le chorégraphe et nouveau directeur du ‹ Ballet du Nord › à Roubaix s'est inspiré du chœur de la tragédie grecque pour ‹ Tragédie ›. La tragédie qui est examinée dans sa pièce est que le fait d'être humain ne coïncide pas avec l'humanité. L'humanité doit être cultivée et nourrie. Il a déclaré au ‹ Evening Standard › de Londres que l'humanité est exposée dans la nudité; les corps peuvent être utilisés pour lire l'histoire du monde, comme une carte de la civilisation. […] »
 – Source : « Catwalk der Unverhüllten » (nzz.ch), état : 2014-2020, traduit, mise en page modifiée par l'auteur

« Agitateur de la scène contemporaine française, Olivier Dubois a signé ces dix dernières années quelques-unes des œuvres chorégraphiques les plus radicales. Directeur du ‹ Ballet du Nord › de 2014 à 2017, élu l’un des vingt-cinq meilleurs danseurs au monde en 2011 par le magazine ‹ Dance Europe ›, il jouit d’une expérience unique entre création, interprétation et pédagogie. […]
Il prépare actuellement sa nouvelle création franco-égyptienne, ‹ Itmahrag ›, qui verra le jour en janvier 2021 à la ‹ Filature, Scène nationale › de Mulhouse. […] »
 – Source : « olivier dubois – chorégraphe » (olivierdubois.org), état : 2019-2020, mise en page modifiée par l'auteur

Performance

Milo Moiré (D) : Performance (DE, EN)

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L'artiste de performance, née en Suisse, vivant à Düsseldorf et diplômée en psychologie, s'est fait connaître en 2013 avec sa performance « The Script System » , un trajet de tramway nu à travers Düsseldorf. Plus tard, elle a attiré l'attention sur elle lorsque, à la suite des attaques contre les femmes et les filles lors des célébrations du Nouvel An à la cathédrale de Cologne en 2015, elle s'est produite sur le parvis de la cathédrale avec le slogan « Respectez-nous ! Nous ne sommes pas des proies faciles, même si nous sommes nues !!! » comme proteste.

Bien que la sexualité et la provocation jouent parfois un rôle dans ses actes, Moiré a été incluse dans cette liste de natury. Grâce à l'apparence confiante et dénudée de l'artiste en public, beaucoup de ses performances sont appropriées pour encourager ou renforcer le courage des spectateurs à être socialement nus.

[0:03:06] Finissage 'Wie wenig Abstraktion verträgt die Kunst?'
[0:03:06] Finissage « Wie wenig Abstraktion verträgt die Kunst ? »
[fr : « Quelle est la limite de l'abstraction que l'art peut tolérer ? » ],
LWL-Museum Münster (Westf.), Allemagne, 2015
Vidéo sur YouTube (après inscription)

[0:01:51] 'Respektiert uns! Wir sind kein Freiwild selbst wenn wir nackt sind!!!'
[0:01:51] « Respectez-nous ! Nous ne sommes pas des proies faciles, même si nous sommes nues !!! » ,
protest à la suite des attaques contre les femmes et les filles lors des célébrations du Nouvel An à la cathédrale de Cologne, Allemagne, en 2015
Vidéo sur YouTube (après inscription)

  • Website Milo Moiré :
    « MILO MOIRÉ » (milomoire.com)

Daniel Toledo (BR) : Performance (BR)

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Nous avons trouvé des vidéos de Daniel Toledo en faisant des recherches sur Internet. Daniel Toledo est titulaire d'une maîtrise du programme d'études supérieures en beaux-arts EBA/UFRJ, Brésil. Les vidéos présentées montrent des performances ayant pour thème la peau humaine et la nudité naturelle. Il est difficile de trouver des informations sur lui et son travail. Sur « Guia das Artes » nous avons trouvé au moins celui-ci. Il s'agit évidemment d'un annuaire d'artistes. L'entrée de Daniel Toledo contient des informations sur lui jusqu'en 2010 :
  • « Formation :
    • 2010 – Master, Programme d'études supérieures en arts visuels EBA/UFRJ, Brésil
    • 2000-2008 – Université fédérale de Rio de Janeiro – École des beaux-arts, Rio de Janeiro, Brésil
    • 2003-2005 – École des arts visuels de Parque Lage, Rio de Janeiro, Brésil
    • 2001-2002 – Ateliê da Imagem, Rio de Janeiro, Brésil
  • Collections :
    • Collection Gilberto Chateaubriand / MAM RJ – Rio de Janeiro, Brésil
    • La collection Vanda Klabin – Rio de Janeiro, Brésil
    • La collection Paulo Eduardo Klabin – Rio de Janeiro, Brésil
    • Collection Patrícia Lins e Silva – Rio de Janeiro, Brésil
    • Collection Fernando Cocchiarale – Rio de Janeiro, Brésil
    • Collection Fabio Szwrcwald – Rio de Janeiro, Brésil
    • Collection Anibal Jozami – Buenos Aires, Argentine
    • Collection Christian de Portzamparc – Paris, France »
 – Source : Daniel Toledo (guiadasartes.com.br), état : 2020, traduit par deepl.com, mise en page modifiée par l'auteur
 
[00:00:42] o corpo é a casa que habito #1
[00:00:42] o corpo é a casa que habito
[fr: Mon corps est la maison que j'habite]
Vidéo sur YouTube (après inscription)
[00:00:35] o corpo é a casa que habito #2
[00:00:35] o corpo é a casa que habito
[fr: Mon corps est la maison que j'habite]
Vidéo sur YouTube (après inscription)
[00:00:37] o corpo é a casa que habito #3
[00:00:37] o corpo é a casa que habito #3
[fr: Mon corps est la maison que j'habite]
Vidéo sur YouTube (après inscription)
[00:10:01] troca troca
[00:10:01] troca troca
[fr: échange]
Vidéo sur YouTube (après inscription)
 
[0:01:28] Registros Visuais #3: Veste Nu
[0:01:28] Registros Visuais #3: Veste Nu
[fr: Enregistrements visuels #3: Vêtements nus],
Documentation vidéo d'une performance dans l'espace urbain
Vidéo sur YouTube (après inscription)

Spencer Tunick (USA): Installation d'art (EN)

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Spencer Tunick est connu pour ses photographies de paysages composés de personnes nues.

« Spencer Tunick (* 1er janvier 1967 à Middletown, New York) est un photographe américain. Tunick est surtout connu pour ses installations temporaires composées de personnes nues, qui »posent« pour la plupart comme des symboles iconographiques dans des contextes urbains. […]
Tunick a obtenu une licence en arts au Emerson College en 1988. En 1992, il a commencé à photographier des personnes nues dans les rues de New York. Avec ses photographies, il s'est rapidement fait connaître dans tous les États-Unis. Depuis le milieu des années 1990, Tunick a réalisé ses installations dans le monde entier.
Tunick voit ses images moins comme des photographies de nus que comme des sculptures de paysages. Tunick les place dans un contexte d'art participatif, tel qu'il a été créé dans les années 1960 […]. »
 – Source : Spencer Tunick (de.wikipedia.org), état : 2020, traduit, mise en page modifiée par l'auteur

[[0:04:29] Overview
[0:04:29]  Vue d'ensemble (EN)
Vidéo sur YouTube (après inscription)
 
[0:01:17] Amsterdam
[0:01:17] Amsterdam
[0:02:31] Spencer Tunick – Kasteel van Gaasbeek – vtm – 2011-07-10
[0:02:31] Spencer Tunick – Kasteel van Gaasbeek – vtm – 2011-07-10
Vidéo sur YouTube (après inscription)
[0:02:00] El sendero de los redimidos de Spencer Tunick
[0:02:00] El sendero de los redimidos de Spencer Tunick
[fr: Le chemin vers la rédemption – de Spencer Tunick]
Vidéo sur YouTube (après inscription)
[0:07:47] Spencer tunick despulla València
[0:07:47] Spencer Tunick despulla València
Vidéo sur YouTube (après inscription)
  • Website Spencer Tunick :
    « Spencer Tunick » (spencertunick.com)

Thomas Zollinger (CH) : Performance (DE, EN, FR)

« On a l'habitude de voir le corps nu sur scène, dans les centres d'art contemporain et dans les galeries. Contrairement aux sculptures, flash mobs, théâtres de rue, mises en scène de matériaux, interventions ou performances artistiques, on ne le rencontre que rarement dans la rue. Des œuvres d'art sont appréciées dans l'espace public où elles sont conviées lors de festivals de rue, parfois expressément pour irriter et attirer l'attention. Tout ce qui est présenté dans les espaces artistiques et dans les théâtres peut être montré sur la place publique, hormis le corps nu qui semble être ici un tabou. Dans le contexte de la place publique, il reste ou redevient indésirable ou exclu, comme le montre des expériences récentes faites à Bienne, Zagreb, San Francisco, Barcelone et en Angleterre.
Le ‹ Naked Performance Festival › a pour objectif de changer cela. Il veut expérimenter les possibilités du corps nu dans l'espace public et le quotidien, contribuant ainsi à l'établir comme un moyen d'expression artistique. Le Festival a lieu au centre de Bienne. Cette ville bilingue suisse est considérée comme tolérante, ouverte et large d'esprit dans le domaine des expériences artistiques. L'autorisation d'une performance artistique mettant en scène 18 corps nus fut l'occasion, en 2009, d'instaurer une pratique libérale à ce sujet. Une ‹ Stadtspaziergang mit Nacktakzenten › [fr : ‹ Promenade en ville en mettant l'accent sur la nudité ›] « promenade » focalisant l'émergence du corps nu ne fut autorisée que partiellement. La tenue de la partie non autorisée fut sanctionnée par une amende. Le ‹ Naked Performance Festival › de 2015 a de nouveau reçu une autorisation des autorités. Il se limitera à la zone piétonne du centre-ville. »
 – Source : « Body and Freedom Festival – Nackt Performance Festival im Stadtraum » (ritualtheater.ch), 2020, Layout vom Verfasser geändert

Body and Freedom Festvals (videos and photos)
« Body and Freedom Festval » (bodyandfreedom.com)

« Thomas Zollinger (1952) vit et travaille à Bienne et à Zurich. Son travail se concentre sur des mises en scène participatives et performatives du corps humain, sans objets, sans accessoires, sans "matériel". Inspiré par ses rencontres avec Zygmunt Molik, Walter Pfaff et d'autres personnes qui ont travaillé avec Jerzy Grotowski ou qui ont repris la formation axée sur le corps de son laboratoire de théâtre, il a développé quatre concepts de performance du théâtre rituel (1994-1998). Les locaux vides des magasins sont devenus des espaces de théâtre ouverts sur le monde extérieur avec jusqu'à 28 participants. Dans les représentations, qui duraient au moins 6 heures, il y avait une minimisation des actions, ce qui a conduit à divers projets de marche et de station debout (12 heures de marche 1997). […]
Thomas Zollinger est l'initiateur et l'organisateur du festival international Body and Freedom, qui approuve explicitement et officiellement le corps nu dans l'espace public urbain. Elle a eu lieu pour la première fois à Bienne en 2015 et de nouveau à Zurich en 2018. […] »
 – Source : « Portfolio Thomas Zollinger » (ritualtheater.ch), 2020, traduit, mise en page modifiée par l'auteur

Bodypainting

Projet Symbiose - les travails de Alexis Kosh (F)

Alexis, concepteur du projet, body-painter. J’ai travaillé en tant qu’auteur sur des jeux vidéo, BD… Je fais de la toile, du street-art, j’écris des eBooks de développement personnel, anime des ateliers pour enfants (philo, science, art). Mes créations: artmajeur.com/fr/ox6mor Mon site de développement personnel: magnetisme-et-bien-etre.com, c'est ainsi que le jeune artiste se présente sur la page de son projet projetsymbiose.wordpress.com.
 Son concept est le suivant :

Objectif : défendre une vision du corps saine, harmonieuse. Créer une collection de photographies représentant toute la diversité de l’humain, que ce soit par la tranche d’âge, le style, l’origine… (de 0 à 100 ans, de 10 à 200 kg. Célibataires, couples, familles…). Le tout afin d’exporter ces clichés en galeries d’art.

Valeurs : esprit « body positive », acceptation de soi et de l’autre, non-discrimination, refus du culte de l’apparence / Le dessinateur apporte une 1ère création. Le style adopté par le modèle en fait une 2ème, le lieu choisi (en plein air) une 3ème, le regard du photographe une 4ème / Aucune retouche gommant les particularités physiques / Aucun motif de peinture « effaçant » le corps, mais au contraire le mettant en avant.
Alexis décrit les nouvelles approches de ses activités artistiques dans des articles de synthèse. Dans « naturisme & cubisme », il appelle notamment ses compatriotes français à profiter davantage des magnifiques installations naturistes en France, afin que les Français ne soient pas 'colonisés' par des vacanciers venus des Pays-Bas, d'Allemagne et de Belgique...
Sous le titre « Best of body-painting & shooting » Alexis a réuni sur son site web une collection de ses plus belles photos de body art.
Une photo de famille aussi anodine et joyeuse que celle qui figure en haut, sous le titre, avec le père, la mère et l'enfant, a d'ailleurs incité la plateforme parfois appelé "social" Instagram à bloquer tout le compte d'Alexis. « C'est la vie. »  Ce qu'Alexis lui-même écrit à ce sujet

Amit Bar (NL) · Peinture corporelle

Amit Bar est un artiste néerlandaise qui sait combiner la nudité avec la photographie, la vidéo, le bodypainting, le yoga et l'harmonie avec la nature. Il tient un blog avec ses œuvres et des commentaires sur l'actualité. Quatre de ses vidéos impressionnantes sont directement accessibles en mode modal via les liens vers son site web (respectivement sous les miniatures). Pour accéder à l'affichage des vidéos, il suffit de cliquer sur les flèches de défilement à gauche de la fenêtre modale. Le symbole du menu en haut à droite te permet d'accéder à tous les autres contenus.

Tiré de son blog: La différence entre la photographie de nu et le sexe
Je me heurte souvent à une attitude étrange de la part de personnes et d'organisations qui ne font pas la différence entre la photographie de nu et le sexe. Ils estiment que les deux sont mauvais et devraient être interdits ou limités aux adultes. À mon avis, il y a une grande différence entre les deux. Le seul point commun est sans doute qu'il faut être (partiellement) nu pour pouvoir avoir des relations sexuelles.
Je suppose que beaucoup de personnes qui refusent la nudité ont un problème avec elles-mêmes plutôt qu'avec la nudité. En vert: Extrait de texte cité et traduit de amitbar.com
Amit Bar résume son expérience de la censure sur YouTube (google) dans un article de blog : Retour au Moyen Âge
Nous avons tous entendu parler de la censure des sculptures au Vatican pendant le Moyen Âge. Les papes Innocent X et Clément XIII ont recouvert les sculptures du Vatican de feuilles de figuier. Le pape Pie IX est allé encore plus loin en retirant les organes génitaux des sculptures. En refusant la nudité, ils voulaient souligner leur modestie et leur approche conservatrice.
Autrefois, on pouvait encore rire de cette attitude des papes. Mais nous sommes désormais entrés dans une ère qui nous ramène à cette attitude. En 2020, au plus profond du 21e siècle, les géants des médias sociaux comme YouTube et Facebook sont occupés à supprimer tout ce qui va à l'encontre de leurs normes médiévales. Régulièrement, mes œuvres d'art souffrent de cette politique. Après de nombreux cas de ce genre, j'ai donc cessé de publier mon art sur Facebook. Instagram, la filiale de Facebook, est un peu plus tolérant, mais la différence n'est pas grande. Là aussi, la censure bat son plein.
Récemment, une vignette de ma vidéo sur YouTube a été supprimée dix fois ( !!!) en 44 heures. Elle a été supprimée par YouTube pour protéger votre âme sensible. Ils prétendent que l'image sélectionnée (... sur YouTube, de la taille d'un timbre-poste !) est contraire à leurs règles communautaires. Comme elle n'enfreint pas les règles de la communauté, j'ai fait appel dix fois et ils l'ont reportée dix fois jusqu'à ce qu'ils en aient assez de ce jeu de harcèlement. VOUS comprenez cela ? Non, pas moi.
Une partie de ce type de harcèlement est que vous ne pouvez pas vous adresser directement à quelqu'un. C'est toujours un e-mail anonyme NoReply qui vous fait savoir que Big Brother vous observe, vous corrige et vous punit. En vert: Extrait de texte cité et traduit de amitbar.com

Amit Bar décrit également comment les plateformes faussement qualifiées de "sociales" ne lui permettent même pas de gagner de l'argent en présentant son art sur ces plateformes - seuls les opérateurs des plateformes eux-mêmes (google, Mark Zuckerberg,...) gagnent de l'argent lorsque des artistes comme Amit Bar présentent leurs œuvres sur Facebook, YouTube, etc.  Lien vers le site web de Amit Bar (EN)

Andy Golub (USA) : Peinture corporelle (EN)

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« Ce n'est pas seulement un groupe de personnes nues qui sont peintes... ce sont les histoires derrière et au-delà de la physicalité du body painting dans un court-métrage documentaire primé sur l'artiste Andy Golub. Il s'agit d'un lien humain et de la question cruciale de la liberté d'expression à travers l'art, qui est aussi réelle et complexe que l'art lui-même. Ce qui existe au-delà de la peinture, c'est le peuple... Lauréat 2017 de six prix du mérite, dans les catégories ‹ Femmes cinéastes › , ‹ Court-métrage documentaire › et ‹ Utilisation du film / de la vidéo pour le changement social ›. »
 – Source : « bestshorts.net », état : 2017, traduit, mise en page modifiée par l'auteur

  • Website Andy Golub :
    « Andy Golub » (andygolub.com)

Johannes Stötter (I) · Le maître des illusions

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Comparé à d'autres artistes de body art, Johannes Stötter met l'accent sur la perfection de l'illusion. D'une part, il crée l'illusion d'une créature animale à partir de corps humains peints. La fidélité de ses créations est convaincante et le spectateur est tout simplement stupéfait lorsque l'illusion se dissout en corps individuels. La grenouille et le hibou en sont des exemples.
Deuxièmement, Stötter place ses modèles devant un arrière-plan et crée la transparence et l'harmonie en adaptant complètement la peinture du corps aux couleurs de l'arrière-plan - les modèles semblent presque transparents et se fondent entièrement dans l'environnement. Son travail "Master of the Unseen" dans le paysage alpin du Tyrol du Sud en est un exemple (dans la vidéo à 4:31).
L'artiste professionnel Johannes Stötter est connu pour ses travaux révolutionnaires dans le domaine du bodypainting et du body art. Sa création d'une grenouille tropicale composée de 5 mannequins en 2013 est devenue virale et a propulsé sa carrière dans une nouvelle stratosphère. Phénomène mondialement connu, Johannes a remporté de nombreux prix, franchi différentes étapes et reçu plusieurs récompenses de la part de médias renommés. Il vit dans le nord de l'Italie, dans une petite ville des Alpes, où il puise une grande partie de son inspiration grâce à son lien profond avec la nature. Guidé par sa philosophie de vie et motivé par la vie de tous les jours, sa fascination pour les personnes de différentes cultures permet à son ingéniosité de s'épanouir.
Johannes ne transfère pas son art sur une toile statique mais sur des modèles vivants, ce qui renforce encore le lien entre l'artiste, l'homme et la forme d'art. À chaque coup de pinceau, il donne vie à son œuvre d'art et crée de ses mains des effets détaillés qui font fusionner le visible et l'invisible en une seule unité. Il insère souvent son art en arrière-plan de paysages naturels ou d'intérieurs, créant des chefs-d'œuvre illusoires qui représentent la beauté des formes de vie dans leur existence et leur vulnérabilité. cité et traduit de johannesstoetterart.com
Sur son site web  johannesstoetterart.com tu peux visionner encore plus de ses vidéos fascinantes dans la galerie de vidéos, et il propose également des impressions photo de ses créations.

Une sélection d'autres vidéos de Johannes Stötter

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Enlevez ces vêtements!

En décembre 2020 la vidéo "Novar - Allir úr!" a été publié à Vimeo.

Sous le slogan "Nothing but the watch" (rien que la montre), la vidéo montre des personnes nues portant uniquement la montre intelligente annoncée à leur poignet - rien d'autre. Il s'agit d'une publicité d'un fournisseur de télécommunication islandais pour laisser le smartphone à la maison et faire du sport ou poursuivre ses activités quotidiennes uniquement "habillé" avec la smartwatch.

Nova - Allir úr
Nova - Allir úr

Peinture corporelle sur peau presque nue

Nous avons trouvé plusieurs clips vidéo qui ont été produits pour Air New Zealand, dont un Making Of. Une autre vidéo est apparemment une publicité pour un club de fitness. Les réactions mises en scène des autres personnes sont passionnantes à regarder, car ils disent probablement plus de choses sur leurs limites intérieures qu'ils ne voudraient et ne pourraient en dire si on les interrogeait à ce sujet.

 

Dénégation de responsabilité